El primero, es que a pesar de ser un filme con buenas críticas, una taquilla decente y un reparto conocido, Hanna nunca verá la luz de los proyectores en México; y el segundo, es el constante retraso en su lanzamiento que terminó por llevarla al formato doméstico. Originalmente, su estreno estaba previsto para abril, se cambió para verano y finalmente se agendó para septiembre.

Más allá de no ver Hanna en cines, este tipo de acciones por parte de las distribuidoras son negativas para la industria del cine. La piratería es la mayor beneficiaria, ya que termina ganando más adeptos en sus filas al tener la cinta no sólo desde antes de su estreno en México sino también a la par de su estreno en Estados Unidos (¡y con subtítulos!). Así que el cine no sólo pierde la audiencia que desde un principio compró la versión ilegal, ahora también pierde a los que se esperaron a verla en la pantalla grande. Si fuera un caso aislado, no representaría un gran problema, pero cuando sucede continuamente, el cine ya no tiene la oportunidad de recuperar espectadores.

Tan sólo en este año, esa misma distribuidora ha cancelado cuatro estrenos en México: Se dice de mí (Easy A), Peligrosa compañía (The Roommate), ¿Cómo saber si es amor? (How Do You Know?) y ahora Hanna (Hanna). Tomando en cuenta lo anterior, que son siete el número aproximado de distribuidoras en México y suponiendo que todas han cancelado el mismo número de películas, existe un total de veintiocho cintas cuyo lanzamiento en cines ha sido anulado en el 2011. Si consideramos que cada fin de semana hay de tres a cuatro estrenos en cartelera, ¡esto se traduce en ocho o nueve semanas sin ningún estreno en cines! ¡Aproximadamente dos meses! Lo cual a su vez representa que toda esa audiencia busque las cintas en formatos ilegales. No por nada en otros países empresas como Blockbuster están en quiebra o por qué el cine ha ido registrando menores ingresos a comparación de otros años internacionalmente. Lo que nos obliga a preguntarnos, ¿la gente no va al cine? O mejor dicho, ¿la gente no quiere ir al cine porque no hay nada que ver?

Fue peor durante el verano, donde un filme acaparaba doce de las catorce salas de un cine. La gente veía la película y automáticamente se quedaba sin opciones. Y si la cinta era para niños, entonces había sectores de la población que ni siquiera consideraban el séptimo arte como una opción de entretenimiento durante las vacaciones.

Ni siquiera mencionemos las ridículas fechas de estreno que llegan a nuestro país con meses, e incluso años, de retraso a comparación de otras regiones del mundo. Historias Cruzadas (The Help), por ejemplo, logró estar veinticinco días en el número uno de la taquilla de Estados Unidos y el libro en el que está basada cien semanas en la lista de los más vendidos del New York Times, pero nada de eso importa porque en México podremos verla únicamente hasta febrero del 2012 si es que Disney, su distribuidora aquí, no decide aplazar o cancelar la fecha. Me pregunto si las distribuidoras conocerán sitios como Amazon o Itunes donde ya puedes conseguir películas de manera más rápida.

La industria cinematográfica vive tiempos díficiles y las distribuidoras juegan un papel muy importante en esta situación. Si no hay fechas de estreno más adecuadas con menos retrasos, mayor promoción de las cintas, un lapso más grande de tiempo entre estreno en cines y lanzamiento en formatos caseros y mayor variedad, los cines perderán más espectadores y por la tanto, ingresos.

Si ir a una sala de cine en un futuro se vuelve irrelevante, que al menos no sea por la falta de historias en cartelera y únicamente tenga que ver con los avances tecnológicos que se van desarrollando.  Las computadoras, el DVD, Blu-Ray y las televisiones nunca podrán sustituir la experiencia de ir al cine. Lástima que, tanto espectadores como distribuidoras, quieran creer lo contrario.

Esta última versión, que incluye el pietaje descubierto en el Museo del Cine de Argentina en 2008, fue musicalizada por la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México bajo la dirección del maestro José Luis Castillo, con la partitura original que Gottfried Huppertz escribió específicamente para el filme en 1927.

Desde que la tarde empezó a caer, la gente comenzó a reunirse en la explanada del Auditorio Nacional. El público era ecléctico, no faltaban los personajes del mundillo cultural, pero también había estudiantes, matrimonios y oficinistas. Aunque dos días antes se informó que los boletos estaban agotados, la gente llegaba con la esperanza de que más boletos fueran liberados de última hora. Y como en todo evento, no faltaron los revendedores alrededor del recinto.

La proyección inició alrededor de las 20:40 horas y duró alrededor de dos horas cuarenta minutos. El entusiasmo del público se notaba en los aplausos que ofreció al final de cada una de las tres partes en las que el filme se divide: Preludio, Interludio y Furia. La acústica era excelente, aunque algunas personas del segundo piso tuvieron problemas para apreciar los supertítulos de la pequeña pantalla colocada en la parte superior del escenario.

La calidad de las imágenes era muy buena y era fácil detectar las escenas añadidas en la última restauración, incluso a aquellos que no habían tenido oportunidad de ver el filme previamente: los fotogramas agregados tenían menor calidad, pues la copia encontrada en Argentina era de 16 mm, a diferencia de los 35 mm de la versión que se había venido exhibiendo. Aún así el interés no era ver una película en alta definición, sino apreciar una versión mas cercana a la obra original, recortada después de su primera función en 1927.

El único problema de la exhibición fue la mala organización del acceso a la función. Los organizadores no tuvieron en cuenta que la pantalla estaría colocada en la orilla del escenario, por lo cual, la zona de balcón tenía un pésima vista de la función. De modo que cerraron esa sección y acomodaron a la gente de balcón en otras secciones. Fue notoria la molestia de los asistentes al perder sus lugares asignados, sobretodo en aquellos que iban en grupos y fueron separados. Esa fue también la causa de que los boletos estuvieran agotados, al cerrar la sección de balcón tuvieron que parar las ventas en las secciones restantes, para acomodar a la gente de la sección cerrada.

Sin embargo al final, después del privilegio de ver la última versión restaurada de esta megaproducción, con la música escrita originalmente para ella, y bajo la soberbia dirección de José Luis Castillo, el público se fue emocionado y satisfecho.

La primera película que vi de Woody Allen fue La Provocación (Match Point). Me pareció una historia interesante, totalmente diferente a lo que imaginé cuando entré a verla. Siendo Woody Allen en ese entonces desconocido para mí, lo único que tenía como referencia era su imagen y basándome en ese aspecto, esperaba que sus cintas fueran caricaturescas. Estaba equivocado. Y así ha sucedido con cada uno de sus filmes que he tenido oportunidad de revisar; Medianoche en París (o Midnight in Paris) no es la excepción.

Hay algo verdaderamente genial en las obras de Allen que creo muchos directores carecen hoy en día en el mundo del celuloide: la capacidad de sorprender. Sus personajes, sus historias y sus escenarios varían entre cintas, pero sin importar lo singulares que éstos puedan llegar a ser, son únicos.

Tomando en cuenta que he visto su filmografía desde Match Point hasta Midnight in Paris (uno de mis propósitos de este año es ver las anteriores), me atrevo a decir que la última, si bien tiene los típicos escenarios de ensueño que caracterizan a sus filmes, es su historia más “extraña” hasta la fecha, (usando esa palabra en el mejor sentido posible). La historia inicia como cualquier otra cinta de Woody, con un personaje en problemas que se parece mucho a él, y que poco a poco comienza a tener una experiencia “mágica” cada vez que en París dan las doce de la noche. El resto de la cinta es un viaje a través de diversas épocas que no sólo nos educa un poco, sino que logra retratar la magia de una ciudad alucinante como París y de su enigmático director.

Tras la desapercibida en México, Whatever Works, Woody obtuvo su filme con mejor taquilla en los Estados Unidos y con mayor expectativa aquí en el país. ¿A qué se debió esta situación? No lo sé. Es difícil escoger una favorita entre todas sus películas, y aunque Midnight in Paris es muy buena, definitivamente no fue la que he disfrutado más del autor, por lo que su éxito si bien es merecido, me parece inusual. Quizá hubo más promoción, más personas sabían de ella, mejores críticas… Por la razón que sea, definitivamente deben verla. Más allá de si son seguidores del director o si conocen su filmografía, la cinta, verdaderamente, es mágica.

Con un esquema de financiamiento poco común y una gran campaña en redes sociales, como Facebook y Twitter, el realizador Roberto Valdés desea llevar a las pantallas su propuesta cinematográfica.

La cinta, titulada Desde dentro, narra la historia de una chica que, tras ser enterrada por sus padres es rescatada por un hombre, quien le oculta su pasado. Años después, la mujer comienza a descubrir algunos detalles acerca de su historia.

La película será protagonizada por Aylín Mujica, actriz cuya trayectoria en el cine incluye las cintas A propósito de Alexa y El jinete de acero, además de múltiples incursiones en telenovelas y revistas.

Recientemente, este proyecto fue rechazado como candidato a los apoyos que otorga el Instituto Mexicano de Cinematografía a través del FIDECINE, los cuales dan incentivos a la creación de largometrajes de una duración mayor a los 75 minutos y a través del que se ha apoyado a cintas como Amor, dolor y viceversa, Marea de arena y Héroes verdaderos.

Tras este revés, Valdés, director, productor y guionista de la cinta, decidió recurrir a un proyecto que, por lo osado e innovador de su propuesta, despertó el interés de diversos medios de comunicación nacionales: convertirse en la cinta con más co-productores y créditos en pantalla, avalada por las autoridades del récord Guinness.

“Nuestro objetivo es juntar el mayor número de personas que participen activamente en la producción de Desde Dentro y así romper un récord Guinness como la cinta con mayor número de inversionistas en la historia del cine”, señaló Valdés en entrevista electrónica.

De acuerdo con datos obtenidos de su cuenta de Twitter, hasta el momento 260 personas se han sumado como coproductores a su proyecto, en el cual pueden realizar aportaciones monetarias desde 14 pesos. La meta de Valdés, de acuerdo con la misma fuente, es conseguir por lo menos a mil colaboradores.

Paralelo a este proyecto, el director narra su aventura a través de un reality show que se transmite a través de un canal de televisión restringida. Dicha serie tendrá 13 episodios.

“La parte interesante será dejar un documento a la gente para que descubra el objetivo del reality, que además es un reto, ya que no somos actores” destacó el creativo en entrevista concedida al diario La Razón.

Ante la incertidumbre que rodea siempre a cualquier estreno cinematográfico, podemos decir sin temor a equivocarnos que Valdés ya tuvo su primer éxito: lograr la atención de los medios. Veremos si, al final, puede lograr sus dos objetivos, conseguir el récord Guinness y, aún más importante, cautivar a los cinéfilos del país.

Es difícil pensar en una historia tan exitosa como lo es Harry Potter. Una serie que ha vendido más de 450 millones de copias alrededor del mundo y que ha sido traducida a 67 idiomas. Libros que se han vuelto realidad al tener miles de seguidores que, por más inverosímil que parezca, se disfrazan como sus personajes favoritos e incluso organizan torneos de Quidditch (el deporte de los magos) alrededor del mundo. Harry Potter es una historia que trascendió los libros para convertirse en todo un fenómeno que cautivó por igual a niños y adultos.

Cuando J. K. Rowling publicó Harry Potter y la Piedra Filosofal allá por 1997, nunca se imaginó lo que estaba creando. Catorce años más tarde, siete libros y ocho filmes son parte de un legado que pasará a la historia. Aún recuerdo cuando el primer libro llegó a México, era curioso que en la escuela en vez de salir a recreo, varios compañeros prefirieran leer. En mi caso, Harry Potter fue uno de los primeros libros que me acercó a la lectura y por ello estaré eternamente agradecido.

Para aquellos que han leído los libros entenderán cuando digo que son especiales. Todos nos sentimos muggles (personas no mágicas) cuando los leímos por primera vez porque no pudimos evitar pensar que en algún lugar del planeta, en verdad existía Hogwarts. Conozco a varias personas que a los once años, incluyéndome, esperaron impacientemente su carta de admisión al Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería. Como era de esperarse, dicha correspondencia nunca llegó y por ende, tuvimos que aferrarnos aún más a los libros.

Los que no los han leído se preguntarán: ¿Qué los vuelve tan atractivos? Y es que incluso a mí, que soy seguidor de la franquicia, me sorprende encontrar personas que en el estreno de la última cinta hayan ido con sus escobas (uno de los muchos transportes para los magos) o vestidos con los colores de su casa predilecta (en Hogwarts, los alumnos se dividen en casas: Ravenclaw, Hufflepuff, Gryffindor y Slytherin), incluso algunos con sus máscaras de mortífago (seguidores de Lord Voldemort). Ningún libro había provocado tanto en tan poco tiempo y en tantas personas.

Hace una semana fue la alfombra roja de la última película y hubo sentimientos encontrados. Para empezar, en Londres todos los involucrados en las películas (dígase actores, directores, guionistas, productores) no dejaban de agradecer a Rowling por crear la historia… y darles trabajo durante casi diez años. Por otro lado, en la sala de cine, todos estábamos emocionados porque por fin veríamos la última película, pero tristes porque la mayoría de los presentes habíamos crecido con Harry y este evento marcaba no sólo su fin, sino también el de nuestra infancia.

No miento cuando digo que la adaptación de Harry Potter a la pantalla grande es de las pocas que tiene respeto por la versión original. J.K. Rowling siempre estuvo involucrada en el proceso dando consejos a los diferentes directores y actores implicados; entendiendo que a pesar de ser la misma historia, el cine y los libros eran diferentes lenguajes. Fue gracias a ella que la saga haya durado tanto manteniendo una calidad decente en todas sus adaptaciones, en especial con Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 2, donde los personajes se despiden con un final digno que los libros merecían.

Es cierto que las películas nunca opacarán a los libros, pero en este caso y a diferencia de muchas otras franquicias, van de la mano. Ambas versiones han ayudado a difundir el mundo de Harry Potter, haciendo que nuevos seguidores se sumen a sus filas con cada año que pasa y aún cuando el final esté a dos días de diferencia, cada vez que alguien lee los libros o ve las películas, ese mundo que estuvo con nosotros por tanto tiempo vuelve abrirnos sus puertas para recordarnos que esto no es un adiós, es un hasta luego.

Al final, las palabras de J.K. Rowling tienen sentido: Ya sea en los libros o en las películas, Hogwarts siempre estará ahí para recibirnos como en casa. ¡Hasta pronto Harry Potter!

El fin de semana fui a ver una comedia romántica, Something Borrowed, al cine. Siendo éste uno de mis géneros preferidos, no pude evitar preguntarme, ¿es malo que todas las historias tengan una fórmula? Es decir, ¿que sean cliché? Tras reflexionarlo un rato, llegué a la conclusión de que lo cliché no es malo, siempre y cuando sepas manejarlo.

En la mayoría de las comedias románticas siempre es la misma fórmula: la chica conoce al chico.  Se enamoran. Alguien o algo impiden que estén juntos. Resuelven el problema y viven felices para siempre. Algunas historias varían en el último punto, ya que también existe la opción de que uno o ambos mueran. A pesar de esto, el final es el mismo: el amor lo conquista todo.

Lo mismo sucede con mi otro género favorito: el terror. La fórmula es simple: hay un asesino/fantasma/entidad paranormal que acosa a una chica/familia (nunca es un chico) y mata a varias personas en el proceso. Al final, la protagonista lucha contra el asesino/fantasma/entidad paranormal y salva el día. Créditos en pantalla y después una escena que nos revela que dicho asesino/fantasma/entidad paranormal no murió, sólo andaba de parranda. Lo que da pie a interminables secuelas de dicho personaje.

Tomando como ejemplo la favorita de muchos, (500) Days of Summer, encontramos una comedia diferente, donde la fórmula se rompe cuando el protagonista no termina con el amor de su vida. La crítica y las personas la aclamaron por su originalidad, pero, ¿en realidad queremos ver eso en el cine? ¿Una película que nos diga que el amor es imposible? En ese caso, creo que prefiero ahorrarme la entrada al cine y salir a la calle donde sin duda habrá historias similares y gratis.

La diferencia entre un cliché bueno y uno malo es cómo lo cuentes y lo uses en el filme. Por ejemplo, con el terror siempre tendrás a una chica de protagonista y a un psicópata persiguiéndola. Sin embargo, existen las películas donde la chava es medio tonta y nunca nota la presencia del antagonista hasta los últimos minutos del filme. Un cliché que se maneja de una forma correcta sería aquel donde desde el inicio, la protagonista está al tanto de su acosador y hace algo por evitarlo.

El disfrutar un cliché no significa que lo original sea menospreciado. Al contrario, siempre será bienvenido. No obstante, los clichés tienen su lado positivo: la gente los entiende, aspira a ellos. Sin ellos, los géneros en el cine no podrían existir. No habría terror si el asesino no reviviera las veces suficientes para aterrar nuevas generaciones; las películas de acción no serían entretenidas sin la cámara lenta y las múltiples explosiones y las historias de amor serían tragedias si los protagonistas no terminaran juntos. Aún me es complicado entender a las personas que quieran ver un final que termine en: Y vivieron tristes para siempre.

¿Ustedes qué opinan? ¿A favor o en contra del cliché? ¿Cuáles son aquellos que disfrutan y cuáles no soportan?

Ayer, cuando dieron la noticia de que Toy Story 4 estaba siendo planeada, me decepcioné. Para aquellos que vieron la tercera, estarán de acuerdo conmigo cuando digo que fue un final digno para unos personajes que crecieron con muchos de nosotros, ¿para qué una cuarta parte?

Y esa es la pregunta que todos los directores, guionistas, estudios y distribuidoras deberían hacerse a la hora de pensar en una secuela. La fiebre de continuar historias, la mayoría de veces innecesariamente, ha tomado fuerza en la última década. Las ganancias en taquilla son la principal razón por la que esto sucede pero, ¿a dónde nos lleva esto?

Recuerdo cuando las continuaciones no abundaban en las salas de cine. Toda historia tenía un principio y un final. No se hacían cintas pensando en cómo se iban a continuar. Algunos argumentarán que las secuelas siempre han existido (tan sólo pensemos en Freddy Krueger o Jason Voorhees) y estarán en lo correcto. No obstante, antes, una segunda parte no se daba por las ganancias, sucedía porque las personas en verdad querían ver más de esos personajes.

Pensemos en la franquicia de Nightmare on Elm Street. Sin contar el remake y el crossover con Jason, la saga consta de siete filmes. Analizando sus resultados en taquilla veremos que no fueron un éxito y que cada entrega juntaba menos que la anterior. A pesar de esto, las secuelas continuaban. Si Freddy Krueger hubiera nacido en esta década, probablemente no tendría la misma suerte. Anteriormente las secuelas no existían con la finalidad de explotar los bolsillos de la audiencia, ocurrían porque los personajes eran tan memorables que era difícil dejarlos morir.

Tristemente no puedo decir lo mismo de las interminables entregas de Rápido y Furioso. No me imagino a Dominic Toretto (personaje interpretado por Vin Diesel en la cinta antes mencionada) siendo considerado un ícono del séptimo arte como lo es James Bond. Entonces,  ¿por qué ya se está planeando una sexta parte para mayo del 2013? Y lo que es peor aún, ¿por qué las personas siguen viendo eso? Y es aún más frustrante cuando filmes que en verdad merecen una continuación no la obtienen porque sus números no fueron los que sus respectivos estudios esperaban.

Los Increíbles de Pixar es la primera que me viene a la mente. Cuando anunciaron Cars 2 y una precuela (tema del cual hablaremos en otro post), de Monsters Inc. me pregunté por qué no hacían algo con Los Increíbles. De todas las películas de Pixar, esa es la única que grita una segunda parte y de la cual se podría dar fácilmente una franquicia. Además, los personajes son memorables, ¿quién no recuerda al bebé Jack Jack o a la gruñona, pero sofisticada Edna Moda?

Los ejemplos podrían continuar durante muchos párrafos más y existiría un gran debate sobre qué filmes merecen una continuación y cuáles no. Sin embargo, la razón de existir de este post es para analizar lo que sucede actualmente. Cuando vamos al cine, ¿en verdad queremos y necesitamos una trilogía de robots que quieren destruir al mundo? ¿O una segunda entrega de autos parlanchines? ¿O eternos eventos paranormales?

Las terceras, cuartas y séptimas partes seguirán existiendo mientras sean sinónimo de una ganancia monetaria. Desgraciadamente el dinero no es una razón suficiente para que una historia o personaje sea memorable. Las secuelas deben entender que cantidad no es lo mismo que calidad.

1. El título “telenovela”: Ocurre cuando la película tiene el mismo nombre que podría tener algún drama del canal dos. Es un título meloso que desde que lo lees puedes pensar que es el tema a tratar de algún talk show como el de la señorita Laura. Algunos ejemplos: Al otro lado del corazón (Rabbit Hole), La mujer que vino del mar (Ondine), No pudo decir adiós (The Greatest), Te amaré por siempre (The Time Traveler’s Wife), El mejor lugar del mundo (Away We Go), Más allá del cielo (Charlie St. Cloud) y El amor de mi vida (Bright Star).
2. El título “mexicanizado”: Es aquel que trata de ser demasiado mexicano, pero sin chiste. Ejemplos: Hop: Rebelde sin Pascua (Hop),  Cuentos que no son cuento (Bedtime Stories), Ni en tu casa ni en la mía (Four Christmases), Hijo de… Bush (W.) y Te amo, brother (I Love You, Man).
3. El título “extenso”: ¿Han escuchado cuando dicen menos es más? Al parecer algunas distribuidoras piensan lo contrario ya que le han dado nombres extremadamente largos a algunas de sus cintas. Scott Pilgrim contra los ex de la chica de sus sueños (Scott Pilgrim vs the World), Nick y Norah: Una noche de música y amor (Nick & Norah: Infinite Playlist) y Milk, un hombre, una revolución, una esperanza (Milk) son cintas que han sufrido de este tipo de título.
4. El título “WTF?”: Como su nombre lo indica no tiene nada que ver con la trama o bien,trata de tener alguna conexión inexistente con otro filme “parecido”. Así pasa cuando sucede (Whatever Works), Mi segunda vez (The Rebound), Actividad Paranormal: El Origen (Paranormal Activity 2: Tokyo Night), La profecía del diablo (The Haunting of Molly Hartley), High School Rock (Bandslam) y Niñas Bien (St. Trinian’s) son algunos filmes que no son lo que sugieren.
5. El título “traducido”: Algunas veces la mejor opción es simplemente traducir el nombre original. En otras ocasiones esa estrategia se vuelve en contra de la cinta porque no aporta nada a lo que ya sabemos.  La chica del dragón tatuado (The Girl with the Dragon Tattoo), El mensajero (The Messenger) y Los niños están bien (The Kids Are All Right) son algunos ejemplos.
6. El título “estamos en problemas”: Es el más curioso de todos puesto que, no conforme con servir para una película, funciona en distintas cintas: Un Amor inesperado es el título en español para Love Happens (2009) y Alex & Emma (2003);  Friends with Benefits es el título en inglés de una película que se estrena este año con Justin Timberlake y Mila Kunis, el problema es que Amigos con Derechos ya fue el título de No Strings Attached (2011) con Natalie Portman y Ashton Kutcher. Me pregunto, ¿qué harán las distribuidoras?
7. Título “spanglish”: Como su nombre lo indica, es el que no se decide por ser completamente en inglés o en español y prefiere ser un poco de ambos: Sucker Punch: Mundo Surreal (Sucker Punch), Somewhere: En un rincón del corazón (Somewhere) y Skyline: La invasión (Skyline) son los mejores ejemplos.
8. El título “revelador”: Es el que más daña una cinta puesto que desde que lo escuchas sabes de qué va la historia. Agradeceríamos a las distribuidoras que eviten poner títulos como Una muerte inesperada (Grace is Gone),  8 minutos antes de morir (Source Code) o Una esposa de mentira (Just Go with It). Por su atención, gracias.
9. El título “simplón”: Cuando simplemente decidieron poner lo primero que se les vino a la mente sin pensar que revelaban mucho de la trama o bien, daba una idea errónea de ésta. No me quites a mi novio (Something Borrowed) y Princesa por un día (Monte Carlo) merecen algo mejor que eso.

Y para ustedes, ¿cuáles son algunos de los títulos más chistosos o curiosos que recuerden? Sin duda las distribuidoras deben poner un poco más de empeño a la hora de elegir títulos para las cintas puesto que la mayoría de las personas, tristemente, escoge su película de acuerdo a cómo suena.

Antes también se utilizó para describir a puestas en escena y libros, pero con el tiempo el séptimo arte quedó más identificado con la expresión. Años después, el vocablo se volvió algo más que un indicio de una taquilla lucrativa: se convirtió en sinónimo de un fenómeno dentro de la industria del cine. Jaws (1975) de Steven Spielberg fue una de las primeras películas que le adjudicó al término el significado de un evento cultural importante y entretenimiento asegurado. Cuando digo “evento” tomen en cuenta todo lo que significa esa palabra: meses de publicidad alrededor del filme y una gran expectativa por parte de la audiencia.

Cualquier persona sabe que en verano tienen lugar los estrenos más importantes del año. Son cintas que si bien no son las mejores, son las más esperadas y las que tienen la mayor capacidad de dejar al público sin habla, ya sea por la cantidad de efectos especiales que usan, las secuencias de acción donde toda una ciudad es el campo de batalla o porque las historias logran atraer a personas de todas las edades.

No miento cuando digo que al ver los promocionales de dichas cintas siento un escalofrío. Los blockbusters provocanque cualquiera vuelva a su infancia por un momento. Son los placeres culpables que todos disfrutamos y esperamos impacientemente. Y cuando por fin llegan al cine, aunque no lo aceptemos, somos los primeros en su estreno.

Este año por ejemplo, tenemos el inicio de la historia de los superhéroes que le dieron vida al género: X-Men: First Class; la continuación de dos películas animadas que fueron del agrado de todos: Cars 2 y Kung Fu Panda 2. La tercera parte y supuesta promesa de una digna conclusión a la franquicia de Transformers y la preparación a The Avengers (2012): Capitán América y Thor. Tampoco podemos olvidar al pirata que regresa una vez más navegando en aguas misteriosas y a lo que parece ser una combinación entre E.T. (1982) y Cloverfield (2008): Super 8. Y por supuesto, el evento fílmico del año: la conclusión de Harry Potter, una de las pocas sagas que logra siete entregas siendo cada una superior a la anterior y manteniendo una taquilla fructífera en cada una de ellas. ¿Emocionados?

Aunque algunos digan que los blockbusters no tienen el mismo significado o generan la misma expectativa que antes, lo cierto es que mientras el cine exista, el verano será la época donde los estrenos más esperados verán la luz del día y la temporada donde las salas de cine estarán más llenas que nunca.

¿Qué es mejor? ¿La película o el libro? Todos hemos preguntado lo anterior y sin temor a equivocarme siempre obtenemos la misma respuesta: El libro es mil veces mejor…

Entonces ya sabemos lo que sucede después: vemos la película y desgraciadamente no cumple con nuestras expectativas porque cortaron partes que nos gustaban del libro, eliminaron personajes o cambiaron el final. Y es ahí, cuando a pesar de la calidad de la cinta, decimos que una película es mala porque no se parece a la obra original.

Una de las tareas más difíciles para los directores y guionistas de cualquier adaptación que se haga en el cine es complacer a los seguidores de la historia y a la vez crear una producción que sea atractiva tanto para el público que no conoce la historia como para el estudio, que es el encargado de financiar el filme.

Como público a veces somos bastante injustos cuando de adaptaciones se trata. El ejemplo más popular es Harry Potter. Desde que La Piedra Filosofal se estrenó allá por el 2001, los seguidores de la franquicia se quejaron por las múltiples omisiones que hacía el filme. Dichas reclamaciones continuaron aumentando conforme nuevas entregas eran trasladadas al cine. El problema se “resolvió” cuando se anunció que el último libro de la saga, Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, sería dividido en dos partes para tratar de incluir la mayor parte de lo que el texto original describía. Sin embargo, y a pesar de que ahora tenemos dos películas basadas en un mismo libro, la adaptación siguió siendo insuficiente para algunos. ¿Entonces qué hacer cuando una obra original (dígase libro, obra de teatro, videojuego o cómic) es adaptada al cine?

Debemos de entender que no todos los libros, videojuegos o cómics corren con la misma suerte. Harry Potter obtuvo ocho filmes de siete libros por el éxito de la saga y porque de alguna forma ya se recuperó todo lo que se invirtió en dicha serie. El cine también es un negocio y como cualquier negocio, lo importante son los resultados. Por ejemplo Crepúsculo, que contrario a Harry Potter no necesitaba dos filmes para un mismo libro, pero que consiguió porque las pasadas entregas probaron ser redituables en taquilla. Lo anterior también queda demostrado con series como Eragon o Percy Jackson las cuales, a pesar de estar compuestas por varios libros, únicamente uno de ellos se llevó a la pantalla grande por no ser franquicias exitosas en cuanto a ingresos se refiere. Otro ejemplo podría ser Las Crónicas de Narnia, cuyas cintas no siguen el orden cronológico de los libros y que tienen su propia línea de tiempo adecuada a la visión del estudio que las produce.

Más importante que aceptar que no siempre veremos en pantalla lo que queremos, lo esencial cuando se ve una adaptación es entender que el cine, los libros, los videojuegos, la televisión y el teatro son medios distintos. En el cine es una película, en el libro es tu imaginación; uno es visual mientras que el otro es una combinación entre lo escrito y tu cerebro. Tampoco es que el cine sea menos que la literatura, pero como público de ambos debemos darle a cada uno su espacio. Los dos conectan de diferentes maneras con el espectador y por lo mismo no pueden ser disfrutados y tratados de la misma manera.

Lo relevante cuando se hace una adaptación es la esencia. Si Los hombres que no amaban a las mujeres de Stieg Larsson es una novela donde el suspenso está presente durante toda la historia, la película debe permanecer fiel a ese suspenso y no a los personajes o a las situaciones. Lo que uno debería buscar de ambas versiones es la sensación de peligro y duda que provocó la obra original. El director únicamente debe preocuparse por la naturaleza de la historia y por hacer sentir al espectador de la misma manera que cuando leyó el libro… “el fin justifica los medios”.

Así que la próxima vez que vayan a ver una película que tenga una contraparte impresa o visual, háganse un favor y respeten cada versión y visión por igual. Si logran separar una de la otra créanme que disfrutarán el resultado de ambas a su respectiva manera.