Después del conflicto armado de 1978 el mapa de El Salvador había cambiado, muchos pueblos habían sido literalmente borrados; ésta es la historia de uno de ellos, un pueblo que gracias a la voluntad de su pueblo renace literalmente de las cenizas.

La película está construida con base en los testimonios de los sobrevivientes de la guerra revolucionaria: gente que ha quedado herida debido al paso de los soldados por su pueblo y que ahora abre sus puertas para conocer su realidad, porque no hay que perder de vista que el documental se filmó durante el 2009.

Pero no sólo se trata de la historia de los sobrevivientes, también es la historia de los que ya no están, de todos aquellos que fueron víctimas del conflicto. A través de la cinta se pueden ver los vestigios de ellos, en el campo, las vestimentas de los hombres olvidadas por casi 20 años y que ahora son el recuerdo de un pasado lleno de dolor.

El sonido -o mejor dicho, el silencio- es una parte importante de la película; solo hay música al principio y al final, sin embargo eso nos permite oír en toda su dimensión a la naturaleza que circunda al pueblo, que es un espectáculo que no se ve nunca en nuestra ciudad.

El silencio sirve también para escuchar atentamente lo que estas personas tienen que decir, se narra desde cómo era la vida antes de la revolución, luego la angustia de tener al ejército frente a ellos y todo lo que pasaron para sobrevivir.

También es digno de mencionarse, la ausencia de diálogos: quienes narran son voces en off ; muy pocas veces se ve hablar a los personajes, hablan entre sí y por momentos da la sensación de ser una secuencia de fotografías, y entonces el documental es una gran retrato de la vida en el lugar más pequeño.

Es paradójico que el lugar más pequeño también sea un lugar universal. Su historia se repite en infinidad de pueblos sin importar las latitudes. En toda América Latina, por no decir en todo el mundo, la guerra es una aberración de los que quieren el poder y los que realmente la sufren son los que menos tienen, los que son más vulnerables y éstos están bajo un constante abuso.

En resumen es una película que no se pueden perder, un punto de contacto con los “efectos colaterales” de la guerra, y este pequeño pueblo es la muestra de que después del desastre se puede reconstruir la vida y volver a los viejos hábitos, pero siempre con una cicatriz muy dolorosa en lo profundo de su corazón.

Ficha técnica: El lugar más pequeño. (México, 2011) Directora: Tatiana Huezo; Duración: 104 min. En exhibición en Cinemanía. Cinépolis zona sur, Cinemex La Diana y algunas sucursales de la Cineteca.

Suzanne Collins, autora de la saga The Hunger Games

En el futuro tras múltiples desastres naturales, guerras y demás eventos un tanto apocalípticos, surge Panem, la única nación sobre la Tierra. Dicha nación está dividida en doce Distritos y un Capitolio. Éste último es el encargado de organizar los juegos del hambre, una competencia donde jóvenes de entre 12 y 18 años pelean a muerte y sólo uno puede sobrevivir.

Son pocos los libros que usan las palabras “jóvenes” y “muerte” en la misma oración. El matar a un menor de edad siempre ha sido motivo de tabú tanto en la televisión como en el cine, quizá los libros sean un poco más abiertos al respecto, pero pocos bestsellers hablan del tema y cuando lo hacen usualmente es en un escenario cargado de elementos de ficción (entiéndase escenarios donde hay magia de por medio, criaturas sobrenaturales, entre otros). Y me pregunto, ¿por qué? La edad nunca ha sido impedimento para la muerte. Todos los días, en la realidad, escuchamos sobre niños secuestrados, asesinados, violados y sobre cómo la población infantil es la más vulnerable a maltratos tanto físicos como psicológicos. Sin embargo, aún nos cuesta mucho trabajo aceptar que un infante sea la víctima en un escenario de ficción.

Por todo lo anterior es que la trama del libro me llamó tanto la atención. Antes de leer la trilogía pensé que debería haber algún tipo de truco o recurso que disminuyera una trama cargada de violencia y más cuando es una obra que su autora escribió específicamente pensando en un público juvenil. ¿Cuál va siendo mi sorpresa? Dicho recurso o truco nunca apareció. La violencia que puede inferir un concurso donde de veinticuatro jóvenes luchan a muerte es real, es explícita y contiene pasajes que verdaderamente te dejan temblando.

Para ser un mundo futurista, Panem comparte muchas características con la sociedad actual. Para empezar, su necesidad por lo que muchos consideran “televisión basura” y lleva por nombre: reality shows. Los juegos del hambre son un evento televisado a nivel nacional donde las personas apuestan por el mejor tributo, el que tiene las mayores posibilidades de sobrevivir. Para la gente del Capitolio dicha pelea es sinónimo de diversión, de un entretenimiento donde los protagonistas no son quienes luchan en la arena sino aquellos que observan; entre más sangre, mejor para todos. ¿Qué personas en su sano juicio aprobarían algo así? ¿24 jóvenes luchando por su vida con cuchillos, lanzas, arcos y flechas? Como dijo Lenny Kravitz en una entrevista, es interesante ver que en la realidad no estamos demasiado lejos. Nuestro morbo como público aumenta con el tiempo y lo que antes nos sorprendía ahora no lo hace.

El sinsajo, símbolo de la protagonista de los libros, Katniss Everdeen

También está el hecho de exponer a un sector de la población a una violencia de tal grado donde puedan defenderse bajo sus propias reglas sin importar el daño que puedan causarse entre ellos. En la arena no hay reglas, aunque el canibalismo es lo único que no está bien visto. Lo impresionante de este escenario es que ni en el Capitolio ni en los Distritos alguien hace algo por evitarlo porque así son las cosas, es lo normal. De nuevo, cualquier semejanza con la realidad es pura coincidencia…

Y finalmente está el aspecto que le da nombre al libro y a la competencia, la comparación que hace el texto entre los ricos y los pobres, los que tienen el poder y los que no, los fuertes y los débiles. Mientras en el Capitolio comen hasta vomitar, en los Distritos la gente se muere de hambre, literalmente. Los pobres son el entretenimiento de los ricos y a pesar que los primeros son mayoría no pueden hacer nada por mejorar su situación o de lo contrario terminarían silenciados como el Distrito 13, el cual terminó en ruinas tras incitar una rebelión.

Mucha gente pensará, incorrectamente, que esta trilogía es exclusiva para el público juvenil. Las adolescentes inundando las redes sociales con comentarios como “Team Peeta” o “Team Gale” harían pensar a cualquiera que esto sólo es una novela donde la protagonista tiene que escoger entre dos chicos. El hecho de que la mayoría de las sagas juveniles incluyen personajes que siempre terminan salvando el día con su varita mágica tampoco ayuda. O simplemente el hecho de que la película esté próxima a estrenarse y los más emocionados sean los adolescentes, da paso a cuestionar la calidad literaria de los libros. A todas esas personas que tienen sus reservas sobre la historia les digo: los buenos libros también tienen malos lectores.

A dos semanas de que esta bomba de tiempo explote estaré haciendo una reseña de cada uno de los libros que componen la trilogía con el afán de presentarles la magnífica historia que es The Hunger Games. ¿Realidad o ficción? Ustedes deciden.

El primero, es que a pesar de ser un filme con buenas críticas, una taquilla decente y un reparto conocido, Hanna nunca verá la luz de los proyectores en México; y el segundo, es el constante retraso en su lanzamiento que terminó por llevarla al formato doméstico. Originalmente, su estreno estaba previsto para abril, se cambió para verano y finalmente se agendó para septiembre.

Más allá de no ver Hanna en cines, este tipo de acciones por parte de las distribuidoras son negativas para la industria del cine. La piratería es la mayor beneficiaria, ya que termina ganando más adeptos en sus filas al tener la cinta no sólo desde antes de su estreno en México sino también a la par de su estreno en Estados Unidos (¡y con subtítulos!). Así que el cine no sólo pierde la audiencia que desde un principio compró la versión ilegal, ahora también pierde a los que se esperaron a verla en la pantalla grande. Si fuera un caso aislado, no representaría un gran problema, pero cuando sucede continuamente, el cine ya no tiene la oportunidad de recuperar espectadores.

Tan sólo en este año, esa misma distribuidora ha cancelado cuatro estrenos en México: Se dice de mí (Easy A), Peligrosa compañía (The Roommate), ¿Cómo saber si es amor? (How Do You Know?) y ahora Hanna (Hanna). Tomando en cuenta lo anterior, que son siete el número aproximado de distribuidoras en México y suponiendo que todas han cancelado el mismo número de películas, existe un total de veintiocho cintas cuyo lanzamiento en cines ha sido anulado en el 2011. Si consideramos que cada fin de semana hay de tres a cuatro estrenos en cartelera, ¡esto se traduce en ocho o nueve semanas sin ningún estreno en cines! ¡Aproximadamente dos meses! Lo cual a su vez representa que toda esa audiencia busque las cintas en formatos ilegales. No por nada en otros países empresas como Blockbuster están en quiebra o por qué el cine ha ido registrando menores ingresos a comparación de otros años internacionalmente. Lo que nos obliga a preguntarnos, ¿la gente no va al cine? O mejor dicho, ¿la gente no quiere ir al cine porque no hay nada que ver?

Fue peor durante el verano, donde un filme acaparaba doce de las catorce salas de un cine. La gente veía la película y automáticamente se quedaba sin opciones. Y si la cinta era para niños, entonces había sectores de la población que ni siquiera consideraban el séptimo arte como una opción de entretenimiento durante las vacaciones.

Ni siquiera mencionemos las ridículas fechas de estreno que llegan a nuestro país con meses, e incluso años, de retraso a comparación de otras regiones del mundo. Historias Cruzadas (The Help), por ejemplo, logró estar veinticinco días en el número uno de la taquilla de Estados Unidos y el libro en el que está basada cien semanas en la lista de los más vendidos del New York Times, pero nada de eso importa porque en México podremos verla únicamente hasta febrero del 2012 si es que Disney, su distribuidora aquí, no decide aplazar o cancelar la fecha. Me pregunto si las distribuidoras conocerán sitios como Amazon o Itunes donde ya puedes conseguir películas de manera más rápida.

La industria cinematográfica vive tiempos díficiles y las distribuidoras juegan un papel muy importante en esta situación. Si no hay fechas de estreno más adecuadas con menos retrasos, mayor promoción de las cintas, un lapso más grande de tiempo entre estreno en cines y lanzamiento en formatos caseros y mayor variedad, los cines perderán más espectadores y por la tanto, ingresos.

Si ir a una sala de cine en un futuro se vuelve irrelevante, que al menos no sea por la falta de historias en cartelera y únicamente tenga que ver con los avances tecnológicos que se van desarrollando.  Las computadoras, el DVD, Blu-Ray y las televisiones nunca podrán sustituir la experiencia de ir al cine. Lástima que, tanto espectadores como distribuidoras, quieran creer lo contrario.

Esta última versión, que incluye el pietaje descubierto en el Museo del Cine de Argentina en 2008, fue musicalizada por la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México bajo la dirección del maestro José Luis Castillo, con la partitura original que Gottfried Huppertz escribió específicamente para el filme en 1927.

Desde que la tarde empezó a caer, la gente comenzó a reunirse en la explanada del Auditorio Nacional. El público era ecléctico, no faltaban los personajes del mundillo cultural, pero también había estudiantes, matrimonios y oficinistas. Aunque dos días antes se informó que los boletos estaban agotados, la gente llegaba con la esperanza de que más boletos fueran liberados de última hora. Y como en todo evento, no faltaron los revendedores alrededor del recinto.

La proyección inició alrededor de las 20:40 horas y duró alrededor de dos horas cuarenta minutos. El entusiasmo del público se notaba en los aplausos que ofreció al final de cada una de las tres partes en las que el filme se divide: Preludio, Interludio y Furia. La acústica era excelente, aunque algunas personas del segundo piso tuvieron problemas para apreciar los supertítulos de la pequeña pantalla colocada en la parte superior del escenario.

La calidad de las imágenes era muy buena y era fácil detectar las escenas añadidas en la última restauración, incluso a aquellos que no habían tenido oportunidad de ver el filme previamente: los fotogramas agregados tenían menor calidad, pues la copia encontrada en Argentina era de 16 mm, a diferencia de los 35 mm de la versión que se había venido exhibiendo. Aún así el interés no era ver una película en alta definición, sino apreciar una versión mas cercana a la obra original, recortada después de su primera función en 1927.

El único problema de la exhibición fue la mala organización del acceso a la función. Los organizadores no tuvieron en cuenta que la pantalla estaría colocada en la orilla del escenario, por lo cual, la zona de balcón tenía un pésima vista de la función. De modo que cerraron esa sección y acomodaron a la gente de balcón en otras secciones. Fue notoria la molestia de los asistentes al perder sus lugares asignados, sobretodo en aquellos que iban en grupos y fueron separados. Esa fue también la causa de que los boletos estuvieran agotados, al cerrar la sección de balcón tuvieron que parar las ventas en las secciones restantes, para acomodar a la gente de la sección cerrada.

Sin embargo al final, después del privilegio de ver la última versión restaurada de esta megaproducción, con la música escrita originalmente para ella, y bajo la soberbia dirección de José Luis Castillo, el público se fue emocionado y satisfecho.

La primera película que vi de Woody Allen fue La Provocación (Match Point). Me pareció una historia interesante, totalmente diferente a lo que imaginé cuando entré a verla. Siendo Woody Allen en ese entonces desconocido para mí, lo único que tenía como referencia era su imagen y basándome en ese aspecto, esperaba que sus cintas fueran caricaturescas. Estaba equivocado. Y así ha sucedido con cada uno de sus filmes que he tenido oportunidad de revisar; Medianoche en París (o Midnight in Paris) no es la excepción.

Hay algo verdaderamente genial en las obras de Allen que creo muchos directores carecen hoy en día en el mundo del celuloide: la capacidad de sorprender. Sus personajes, sus historias y sus escenarios varían entre cintas, pero sin importar lo singulares que éstos puedan llegar a ser, son únicos.

Tomando en cuenta que he visto su filmografía desde Match Point hasta Midnight in Paris (uno de mis propósitos de este año es ver las anteriores), me atrevo a decir que la última, si bien tiene los típicos escenarios de ensueño que caracterizan a sus filmes, es su historia más “extraña” hasta la fecha, (usando esa palabra en el mejor sentido posible). La historia inicia como cualquier otra cinta de Woody, con un personaje en problemas que se parece mucho a él, y que poco a poco comienza a tener una experiencia “mágica” cada vez que en París dan las doce de la noche. El resto de la cinta es un viaje a través de diversas épocas que no sólo nos educa un poco, sino que logra retratar la magia de una ciudad alucinante como París y de su enigmático director.

Tras la desapercibida en México, Whatever Works, Woody obtuvo su filme con mejor taquilla en los Estados Unidos y con mayor expectativa aquí en el país. ¿A qué se debió esta situación? No lo sé. Es difícil escoger una favorita entre todas sus películas, y aunque Midnight in Paris es muy buena, definitivamente no fue la que he disfrutado más del autor, por lo que su éxito si bien es merecido, me parece inusual. Quizá hubo más promoción, más personas sabían de ella, mejores críticas… Por la razón que sea, definitivamente deben verla. Más allá de si son seguidores del director o si conocen su filmografía, la cinta, verdaderamente, es mágica.

Con un esquema de financiamiento poco común y una gran campaña en redes sociales, como Facebook y Twitter, el realizador Roberto Valdés desea llevar a las pantallas su propuesta cinematográfica.

La cinta, titulada Desde dentro, narra la historia de una chica que, tras ser enterrada por sus padres es rescatada por un hombre, quien le oculta su pasado. Años después, la mujer comienza a descubrir algunos detalles acerca de su historia.

La película será protagonizada por Aylín Mujica, actriz cuya trayectoria en el cine incluye las cintas A propósito de Alexa y El jinete de acero, además de múltiples incursiones en telenovelas y revistas.

Recientemente, este proyecto fue rechazado como candidato a los apoyos que otorga el Instituto Mexicano de Cinematografía a través del FIDECINE, los cuales dan incentivos a la creación de largometrajes de una duración mayor a los 75 minutos y a través del que se ha apoyado a cintas como Amor, dolor y viceversa, Marea de arena y Héroes verdaderos.

Tras este revés, Valdés, director, productor y guionista de la cinta, decidió recurrir a un proyecto que, por lo osado e innovador de su propuesta, despertó el interés de diversos medios de comunicación nacionales: convertirse en la cinta con más co-productores y créditos en pantalla, avalada por las autoridades del récord Guinness.

“Nuestro objetivo es juntar el mayor número de personas que participen activamente en la producción de Desde Dentro y así romper un récord Guinness como la cinta con mayor número de inversionistas en la historia del cine”, señaló Valdés en entrevista electrónica.

De acuerdo con datos obtenidos de su cuenta de Twitter, hasta el momento 260 personas se han sumado como coproductores a su proyecto, en el cual pueden realizar aportaciones monetarias desde 14 pesos. La meta de Valdés, de acuerdo con la misma fuente, es conseguir por lo menos a mil colaboradores.

Paralelo a este proyecto, el director narra su aventura a través de un reality show que se transmite a través de un canal de televisión restringida. Dicha serie tendrá 13 episodios.

“La parte interesante será dejar un documento a la gente para que descubra el objetivo del reality, que además es un reto, ya que no somos actores” destacó el creativo en entrevista concedida al diario La Razón.

Ante la incertidumbre que rodea siempre a cualquier estreno cinematográfico, podemos decir sin temor a equivocarnos que Valdés ya tuvo su primer éxito: lograr la atención de los medios. Veremos si, al final, puede lograr sus dos objetivos, conseguir el récord Guinness y, aún más importante, cautivar a los cinéfilos del país.

Es difícil pensar en una historia tan exitosa como lo es Harry Potter. Una serie que ha vendido más de 450 millones de copias alrededor del mundo y que ha sido traducida a 67 idiomas. Libros que se han vuelto realidad al tener miles de seguidores que, por más inverosímil que parezca, se disfrazan como sus personajes favoritos e incluso organizan torneos de Quidditch (el deporte de los magos) alrededor del mundo. Harry Potter es una historia que trascendió los libros para convertirse en todo un fenómeno que cautivó por igual a niños y adultos.

Cuando J. K. Rowling publicó Harry Potter y la Piedra Filosofal allá por 1997, nunca se imaginó lo que estaba creando. Catorce años más tarde, siete libros y ocho filmes son parte de un legado que pasará a la historia. Aún recuerdo cuando el primer libro llegó a México, era curioso que en la escuela en vez de salir a recreo, varios compañeros prefirieran leer. En mi caso, Harry Potter fue uno de los primeros libros que me acercó a la lectura y por ello estaré eternamente agradecido.

Para aquellos que han leído los libros entenderán cuando digo que son especiales. Todos nos sentimos muggles (personas no mágicas) cuando los leímos por primera vez porque no pudimos evitar pensar que en algún lugar del planeta, en verdad existía Hogwarts. Conozco a varias personas que a los once años, incluyéndome, esperaron impacientemente su carta de admisión al Colegio Hogwarts de Magia y Hechicería. Como era de esperarse, dicha correspondencia nunca llegó y por ende, tuvimos que aferrarnos aún más a los libros.

Los que no los han leído se preguntarán: ¿Qué los vuelve tan atractivos? Y es que incluso a mí, que soy seguidor de la franquicia, me sorprende encontrar personas que en el estreno de la última cinta hayan ido con sus escobas (uno de los muchos transportes para los magos) o vestidos con los colores de su casa predilecta (en Hogwarts, los alumnos se dividen en casas: Ravenclaw, Hufflepuff, Gryffindor y Slytherin), incluso algunos con sus máscaras de mortífago (seguidores de Lord Voldemort). Ningún libro había provocado tanto en tan poco tiempo y en tantas personas.

Hace una semana fue la alfombra roja de la última película y hubo sentimientos encontrados. Para empezar, en Londres todos los involucrados en las películas (dígase actores, directores, guionistas, productores) no dejaban de agradecer a Rowling por crear la historia… y darles trabajo durante casi diez años. Por otro lado, en la sala de cine, todos estábamos emocionados porque por fin veríamos la última película, pero tristes porque la mayoría de los presentes habíamos crecido con Harry y este evento marcaba no sólo su fin, sino también el de nuestra infancia.

No miento cuando digo que la adaptación de Harry Potter a la pantalla grande es de las pocas que tiene respeto por la versión original. J.K. Rowling siempre estuvo involucrada en el proceso dando consejos a los diferentes directores y actores implicados; entendiendo que a pesar de ser la misma historia, el cine y los libros eran diferentes lenguajes. Fue gracias a ella que la saga haya durado tanto manteniendo una calidad decente en todas sus adaptaciones, en especial con Harry Potter y las Reliquias de la Muerte Parte 2, donde los personajes se despiden con un final digno que los libros merecían.

Es cierto que las películas nunca opacarán a los libros, pero en este caso y a diferencia de muchas otras franquicias, van de la mano. Ambas versiones han ayudado a difundir el mundo de Harry Potter, haciendo que nuevos seguidores se sumen a sus filas con cada año que pasa y aún cuando el final esté a dos días de diferencia, cada vez que alguien lee los libros o ve las películas, ese mundo que estuvo con nosotros por tanto tiempo vuelve abrirnos sus puertas para recordarnos que esto no es un adiós, es un hasta luego.

Al final, las palabras de J.K. Rowling tienen sentido: Ya sea en los libros o en las películas, Hogwarts siempre estará ahí para recibirnos como en casa. ¡Hasta pronto Harry Potter!

El fin de semana fui a ver una comedia romántica, Something Borrowed, al cine. Siendo éste uno de mis géneros preferidos, no pude evitar preguntarme, ¿es malo que todas las historias tengan una fórmula? Es decir, ¿que sean cliché? Tras reflexionarlo un rato, llegué a la conclusión de que lo cliché no es malo, siempre y cuando sepas manejarlo.

En la mayoría de las comedias románticas siempre es la misma fórmula: la chica conoce al chico.  Se enamoran. Alguien o algo impiden que estén juntos. Resuelven el problema y viven felices para siempre. Algunas historias varían en el último punto, ya que también existe la opción de que uno o ambos mueran. A pesar de esto, el final es el mismo: el amor lo conquista todo.

Lo mismo sucede con mi otro género favorito: el terror. La fórmula es simple: hay un asesino/fantasma/entidad paranormal que acosa a una chica/familia (nunca es un chico) y mata a varias personas en el proceso. Al final, la protagonista lucha contra el asesino/fantasma/entidad paranormal y salva el día. Créditos en pantalla y después una escena que nos revela que dicho asesino/fantasma/entidad paranormal no murió, sólo andaba de parranda. Lo que da pie a interminables secuelas de dicho personaje.

Tomando como ejemplo la favorita de muchos, (500) Days of Summer, encontramos una comedia diferente, donde la fórmula se rompe cuando el protagonista no termina con el amor de su vida. La crítica y las personas la aclamaron por su originalidad, pero, ¿en realidad queremos ver eso en el cine? ¿Una película que nos diga que el amor es imposible? En ese caso, creo que prefiero ahorrarme la entrada al cine y salir a la calle donde sin duda habrá historias similares y gratis.

La diferencia entre un cliché bueno y uno malo es cómo lo cuentes y lo uses en el filme. Por ejemplo, con el terror siempre tendrás a una chica de protagonista y a un psicópata persiguiéndola. Sin embargo, existen las películas donde la chava es medio tonta y nunca nota la presencia del antagonista hasta los últimos minutos del filme. Un cliché que se maneja de una forma correcta sería aquel donde desde el inicio, la protagonista está al tanto de su acosador y hace algo por evitarlo.

El disfrutar un cliché no significa que lo original sea menospreciado. Al contrario, siempre será bienvenido. No obstante, los clichés tienen su lado positivo: la gente los entiende, aspira a ellos. Sin ellos, los géneros en el cine no podrían existir. No habría terror si el asesino no reviviera las veces suficientes para aterrar nuevas generaciones; las películas de acción no serían entretenidas sin la cámara lenta y las múltiples explosiones y las historias de amor serían tragedias si los protagonistas no terminaran juntos. Aún me es complicado entender a las personas que quieran ver un final que termine en: Y vivieron tristes para siempre.

¿Ustedes qué opinan? ¿A favor o en contra del cliché? ¿Cuáles son aquellos que disfrutan y cuáles no soportan?

Ayer, cuando dieron la noticia de que Toy Story 4 estaba siendo planeada, me decepcioné. Para aquellos que vieron la tercera, estarán de acuerdo conmigo cuando digo que fue un final digno para unos personajes que crecieron con muchos de nosotros, ¿para qué una cuarta parte?

Y esa es la pregunta que todos los directores, guionistas, estudios y distribuidoras deberían hacerse a la hora de pensar en una secuela. La fiebre de continuar historias, la mayoría de veces innecesariamente, ha tomado fuerza en la última década. Las ganancias en taquilla son la principal razón por la que esto sucede pero, ¿a dónde nos lleva esto?

Recuerdo cuando las continuaciones no abundaban en las salas de cine. Toda historia tenía un principio y un final. No se hacían cintas pensando en cómo se iban a continuar. Algunos argumentarán que las secuelas siempre han existido (tan sólo pensemos en Freddy Krueger o Jason Voorhees) y estarán en lo correcto. No obstante, antes, una segunda parte no se daba por las ganancias, sucedía porque las personas en verdad querían ver más de esos personajes.

Pensemos en la franquicia de Nightmare on Elm Street. Sin contar el remake y el crossover con Jason, la saga consta de siete filmes. Analizando sus resultados en taquilla veremos que no fueron un éxito y que cada entrega juntaba menos que la anterior. A pesar de esto, las secuelas continuaban. Si Freddy Krueger hubiera nacido en esta década, probablemente no tendría la misma suerte. Anteriormente las secuelas no existían con la finalidad de explotar los bolsillos de la audiencia, ocurrían porque los personajes eran tan memorables que era difícil dejarlos morir.

Tristemente no puedo decir lo mismo de las interminables entregas de Rápido y Furioso. No me imagino a Dominic Toretto (personaje interpretado por Vin Diesel en la cinta antes mencionada) siendo considerado un ícono del séptimo arte como lo es James Bond. Entonces,  ¿por qué ya se está planeando una sexta parte para mayo del 2013? Y lo que es peor aún, ¿por qué las personas siguen viendo eso? Y es aún más frustrante cuando filmes que en verdad merecen una continuación no la obtienen porque sus números no fueron los que sus respectivos estudios esperaban.

Los Increíbles de Pixar es la primera que me viene a la mente. Cuando anunciaron Cars 2 y una precuela (tema del cual hablaremos en otro post), de Monsters Inc. me pregunté por qué no hacían algo con Los Increíbles. De todas las películas de Pixar, esa es la única que grita una segunda parte y de la cual se podría dar fácilmente una franquicia. Además, los personajes son memorables, ¿quién no recuerda al bebé Jack Jack o a la gruñona, pero sofisticada Edna Moda?

Los ejemplos podrían continuar durante muchos párrafos más y existiría un gran debate sobre qué filmes merecen una continuación y cuáles no. Sin embargo, la razón de existir de este post es para analizar lo que sucede actualmente. Cuando vamos al cine, ¿en verdad queremos y necesitamos una trilogía de robots que quieren destruir al mundo? ¿O una segunda entrega de autos parlanchines? ¿O eternos eventos paranormales?

Las terceras, cuartas y séptimas partes seguirán existiendo mientras sean sinónimo de una ganancia monetaria. Desgraciadamente el dinero no es una razón suficiente para que una historia o personaje sea memorable. Las secuelas deben entender que cantidad no es lo mismo que calidad.

1. El título “telenovela”: Ocurre cuando la película tiene el mismo nombre que podría tener algún drama del canal dos. Es un título meloso que desde que lo lees puedes pensar que es el tema a tratar de algún talk show como el de la señorita Laura. Algunos ejemplos: Al otro lado del corazón (Rabbit Hole), La mujer que vino del mar (Ondine), No pudo decir adiós (The Greatest), Te amaré por siempre (The Time Traveler’s Wife), El mejor lugar del mundo (Away We Go), Más allá del cielo (Charlie St. Cloud) y El amor de mi vida (Bright Star).
2. El título “mexicanizado”: Es aquel que trata de ser demasiado mexicano, pero sin chiste. Ejemplos: Hop: Rebelde sin Pascua (Hop),  Cuentos que no son cuento (Bedtime Stories), Ni en tu casa ni en la mía (Four Christmases), Hijo de… Bush (W.) y Te amo, brother (I Love You, Man).
3. El título “extenso”: ¿Han escuchado cuando dicen menos es más? Al parecer algunas distribuidoras piensan lo contrario ya que le han dado nombres extremadamente largos a algunas de sus cintas. Scott Pilgrim contra los ex de la chica de sus sueños (Scott Pilgrim vs the World), Nick y Norah: Una noche de música y amor (Nick & Norah: Infinite Playlist) y Milk, un hombre, una revolución, una esperanza (Milk) son cintas que han sufrido de este tipo de título.
4. El título “WTF?”: Como su nombre lo indica no tiene nada que ver con la trama o bien,trata de tener alguna conexión inexistente con otro filme “parecido”. Así pasa cuando sucede (Whatever Works), Mi segunda vez (The Rebound), Actividad Paranormal: El Origen (Paranormal Activity 2: Tokyo Night), La profecía del diablo (The Haunting of Molly Hartley), High School Rock (Bandslam) y Niñas Bien (St. Trinian’s) son algunos filmes que no son lo que sugieren.
5. El título “traducido”: Algunas veces la mejor opción es simplemente traducir el nombre original. En otras ocasiones esa estrategia se vuelve en contra de la cinta porque no aporta nada a lo que ya sabemos.  La chica del dragón tatuado (The Girl with the Dragon Tattoo), El mensajero (The Messenger) y Los niños están bien (The Kids Are All Right) son algunos ejemplos.
6. El título “estamos en problemas”: Es el más curioso de todos puesto que, no conforme con servir para una película, funciona en distintas cintas: Un Amor inesperado es el título en español para Love Happens (2009) y Alex & Emma (2003);  Friends with Benefits es el título en inglés de una película que se estrena este año con Justin Timberlake y Mila Kunis, el problema es que Amigos con Derechos ya fue el título de No Strings Attached (2011) con Natalie Portman y Ashton Kutcher. Me pregunto, ¿qué harán las distribuidoras?
7. Título “spanglish”: Como su nombre lo indica, es el que no se decide por ser completamente en inglés o en español y prefiere ser un poco de ambos: Sucker Punch: Mundo Surreal (Sucker Punch), Somewhere: En un rincón del corazón (Somewhere) y Skyline: La invasión (Skyline) son los mejores ejemplos.
8. El título “revelador”: Es el que más daña una cinta puesto que desde que lo escuchas sabes de qué va la historia. Agradeceríamos a las distribuidoras que eviten poner títulos como Una muerte inesperada (Grace is Gone),  8 minutos antes de morir (Source Code) o Una esposa de mentira (Just Go with It). Por su atención, gracias.
9. El título “simplón”: Cuando simplemente decidieron poner lo primero que se les vino a la mente sin pensar que revelaban mucho de la trama o bien, daba una idea errónea de ésta. No me quites a mi novio (Something Borrowed) y Princesa por un día (Monte Carlo) merecen algo mejor que eso.

Y para ustedes, ¿cuáles son algunos de los títulos más chistosos o curiosos que recuerden? Sin duda las distribuidoras deben poner un poco más de empeño a la hora de elegir títulos para las cintas puesto que la mayoría de las personas, tristemente, escoge su película de acuerdo a cómo suena.